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jueves, 21 de septiembre de 2017

Frida Kahlo en pensamientos





Hermana del alma, que mujer no se ha sentido representada con esta artista genial. Hay que saber extraerle a la vida placer, arte, sabiduría, ganas, cuando te pasan todas las cosas que le pasaron a Frida Kahlo, hoy quiero homenajearla en un par de pensamientos suyos...


Sobre Diego Rivera ,no entiendo que le vió pero el amor es ciego...y seguro que la errada soy yo, Rivera era un gran pintor y un gran infiel, detalle que me parece patético para un hombre. Frida Dijo sobre él:

"Yo sufrí dos accidentes graves en mi vida", dijo una vez Frida, "uno en el que un autobús me tumbó al suelo… el otro accidente es Diego".

Sobre el arte:

“Nunca pinte sueños, pinte mi propia realidad”

"No sé si mis pinturas son o no surrealistas pero, lo que sí estoy segura es que son la expresión más franca de mi ser", Frida escribió una vez.


Sobre sus penurias físicas:

"No estoy enferma, estoy rota"


Sobre la belleza y las mujeres:


"Y tú bien sabes que el atractivo sexual en las mujeres se acaba voladamente, y después no les queda más lo que tengan en su cabezota para poderse defender en esta cochina vida del carajo".


Sobre México:

"México está como siempre, desorganizado y dado al diablo, sólo le queda la inmensa belleza de la tierra y los indios. Cada día lo feo de los Estados Unidos le roba un pedazo, es una tristeza, pero la gente tiene que comer y no hay más remedio que el pez grande se coma al chiquito". (carta al Dr. Leo Eloesser)

Sobre su alcoholismo:

"Bebo para olvidar, pero ahora... no recuerdo el qué".

"Doctor, si me deja tomarme este tequila, le prometo no beber en mi funeral"


Sobre la muerte:

Espero que la salida sea alegre y espero no volver jamás". (Últimas palabras escritas en su diario).



miércoles, 20 de septiembre de 2017

I have nature and art ...Vincent Van Gogh








"…and then, I have nature and art and poetry and if that is not enough, what is enough ? "

Vincent van Gogh


Post ilustrado con "Iris " de Vincent Van Gogh

miércoles, 13 de septiembre de 2017

Christian Schloe
















Christian Schloe es una artista austríaco. Cuyas obras son magníficas, surrealistas, plenas de fantasía y buen gusto, me encantan.

Acá posteo un par pero busquen sus imágenes porque son una más linda que la otra. Su obra está en Facebook también.Arte digital que combina con pintura,fotografía, etc.Comercializa su obra también en objetos cotidianos: funda de celulares, fundas de almohadas, etc.


Su arte, su estilo posee serenidad, una belleza asentada en la armonía. Muchas aves, jóvenes perfectas, algunas más románticas, otros rostros más cercanos al Renacimiento, hay una influencia de Max Magritte por ahí...Pajarillos, mariposas, plantas, agua, barcos...Una auténtica maravilla.


Mundo de sueños, mucho simbolismo y poesía, el arte de Christian Schloe.

sábado, 17 de junio de 2017

Me gusta la palabra creer..., Marcel Duchamp








"Me gusta la palabra creer. En general, cuando alguien dice yo sé, no sabe, cree. Yo creo que el arte es la única forma de actividad por la que el hombre se manifiesta en cuanto individuo. Sólo por ella puede superar el estadio animal, porque el arte desemboca en regiones que no dominan ni el tiempo ni el espacio. Vivir es creer -al menos esto es lo que yo creo."

 Marcel Duchamp

domingo, 21 de mayo de 2017

Si al mirar una pintura..., Juan Gris









"Si al mirar una pintura destaca con más fuerza la escuela a la que pertenece que la pintura misma, no le auguro nada bueno a esa pintura".

Juan Gris


Pintura de Juan Gris ilustra el post y se llama "Naturaleza muerta frente a ventana abierta, Place Ravignan "

martes, 13 de diciembre de 2016

Vestal , pintura de Arnold Böcklin









Siempre me impactó esta pintura, soy muy sensible a todo, y esta pintura me dijo tantas cosas, se llama Vestal y pertenece al pintor suizo Arnold Böcklin.

¿ Qué digo de ella ?. Que se trata de un retrato de una mujer apasionada , que se impone el silencio, el recato, que elige la clausura de su cuerpo ¿ Por qué ?. No se sabe. Es tan misteriosa, tan severa, parece una figura de una mujer del Islam.


Una vestal es una mujer dedicada a la devoción de un dios según tengo entendido en la literatura latina. Conservan el fuego sagrado y son vírgenes. Son elegidas , jóvenes , bellas y perfectas.


La autodisciplina, el celibato puede ser tan erótico como el Eros mismo. Esta pintura es de una belleza arrebatadora porque es inquietante, perturbadora y esa vestalidad no es celestial.

jueves, 24 de noviembre de 2016

Cindy Sherman, escandaliza que puedes














Cindy Sherman es una fotógrafa norteamericana que conjuga también en su arte su vocación pintora de sus comienzos. Su arte es para shockear, hacer pensar, sacudir al espectador...Hay mucho de juego en sus fotografías, de disfraces, de disfraces sobre disfraces, las múltiples capas que podemos tener, las máscaras de las que disponemos para ser en nuestra cotidianeidad, algunas de ellas nos horrorizan viendo las fotografías/pinturas de Cindy Sherman.La artista nació en 1954 en New Jersey, Estados Unidos.


Sherman se maquilla, se transfigura, se vuelve un clown, una mujer golpeada, una virgen del Renacimiento, una millonaria decadente y excesivamente pintada, etc.Apela al humor más cáustico, el sarcasmo. La desfiguración, el desarme del mito, del ícono...Algunas de sus fotografías son como para una película de terror, no puedes dormir después, apuesto a que no.


La belleza, la maternidad, la codicia, la sexualidad se caricaturizan y expresan lo que expresan. En un intento creo yo de desarmar los conceptos estereotipados con los que vemos las cosas. En realidad parece decirnos Sherman esta realidad puede ser aún más dura, más fea, más imperfecta de lo que creemos.


Arte que provoca, choca, que es teatral, no es el tipo de arte que más me gusta para nada, pero es un arte valiente, original, fresco, inteligente.Si vos me preguntás si yo compraría sus fotos , pocas compraría , pero reconozco lo grande que es como artista, no puedo dejar de valorar su esfuerzo por hacer del arte algo vivo y espectacular.


La mujer es puesta bajo el foco de Cindy Sherman ( a través de ella misma) y no es lindo el comentario, no es lindo el resultado, somos como marionetas, como muñecas sexuales usadas hasta el infinito, mujeres con prótesis, mujeres infantiles, mujeres millonarias , frías que no tienen más que sus millones, etc.


Series fotográficas: Algunas de las más destacadas: Society Portraits (Retratos de Sociedad), Sex Pictures (Imágenes Sexuales), Disasters y Fairy Tales (Desastres y Cuentos de Hadas) o History Portraits (Retratos históricos). Pero su trabajo fundamental se encuentra en el clásico Untitled Film Stills (Fotogramas Sin Título) y su corolario Rear Screen Projections (Proyecciones Retro-proyectadas, " Centerfolds ", etc.

La artista tuvo una gran exposición de su obra en el MOMA , en 2012.

domingo, 26 de junio de 2016

Mi recuerdo para Nicolás García Uriburu








Siempre lo quise mucho, siempre me pareció un ser maravilloso, tiene que haberlo sido, un ser tan enamorado de la naturaleza, de lo verde tan afín a mí tiene que haber sido bueno, la otra vez oí que una figura del espectáculo habló muy bien de él ,lo conocía de cerca. Me enteré como murió y me saltaron las lágrimas, murió apoyado en el árbol de su edificio, en Aguado y Mariscal Castilla. Se debe haber sentido muy mal y eligió morir así... Hermoso Nicolás, hermoso gesto el tuyo.Lo entiendo tan perfectamente (almas afines) porque soy de abrazar a árboles que han talado y que quedan en la vereda, adoro los árboles.La sensibilidad de un artista hasta en su final. Recuerdo cuando cubriste el canal de Venecia con tinta verde, sublime, sublime.Ahí te descubrí...Viva el arte, viva el Verde, Viva la Naturaleza, cuidemos el Medio Ambiente

Nicolás García Uriburu: Nunca te olvidaré.


Mónica Pedraza

En la foto Nicolás García Uriburu con el artista Andy Warhol

Aclaro para los que no lo saben Nicolás García Uriburu era un gran pintor (hablaré de su obra en otros posts) y un ferviente defensor del medio ambiente.Últimamente tenía toda una batalla legal con su hija por su herencia, por eso me conmovió tanto su final, por que sé que eso apresuró su muerte y porque en definitiva se aferró a lo que profundamente amaba, la Naturaleza y que no le deparaba desencanto alguno.

domingo, 5 de junio de 2016

Remedios Varo (1908-1963)







Remedios Varo nació en España pero fue refugiada política mexicana durante 21 años.Es conocida por ser una de las más interesantes exponentes del movimiento surrealista. Conoció al jefe de ese movimiento, André Breton y se integró al grupo Logicofobista, que pretendía representar los estados mentales internos del alma..En sus obras, ella trataba de plasmar un mundo irracional y emotivo, una atmósfera íntima, un universo en donde las mujeres son, más que objetos del deseo. Lo más impresionante de esta artista es su capacidad para crear mundos mágicos, en los cuales la fantasía se proyecta e identifica; esos escenarios en los que los seres viven y crean desde su propia irrealidad y le dan vida a otras existencias particulares.Sus influencias en pintura: El Bosco, Bruegel, el Viejo entre otros también Goya.

Creó un universo fantástico de seres oníricos que habitan espacios misteriosos, donde existe una presencia femenina muy fuerte,figuras a veces solitarias, de ojos almendrados, apariencia andrógina, Varo se inspira en sí misma para pintar en especial las mujeres de su obra. La artista recurre a múltiples disciplinas para dar vida a su universo interior, mucho simbolismo, feminismo, una riqueza artística y espiritual de la que su muerte nos privó , en 1963 muere Remedios Varo en México.


La obra de esta pintora de principios de siglo, nacida en Anglés (Girona), se encuadra dentro del "Surrealismo mexicano tardío". Varo reúne en sus pinturas sus intereses: ciencias ocultas, alquimia, astronomía, biología, ingeniería, psicoanálisis, etc.

En su pintura "Armonía " la misma Remedios Varo dice acerca del personaje " El personaje está tratando de encontrar el hilo invisible que une todas las cosas ..." lo mismo podemos decir de ella, que fue una mujer sabia, sensible que encontró la llave del misterio, el hilo invisible del Universo...






miércoles, 11 de mayo de 2016

Yoko Ono, en junio próximo, en Fundación MALBA








A Yoko Ono se la asocia siempre con la mega figura de su esposo ,John Lennon, pocos saben que fue y es una artista vanguardista. Yoko ya era una figura de renombre en Londres, en 1966 cuando Lennon la conoció. Hay una gran exposición, en el mes de junio, en la Fundación MALBA.La exposición se llama "Dream come true". Es una muestra de arte conceptual y participativo contemporáneo que irá del 24 de junio al 31 de octubre. Los curadores son Agustín Pérez Rubio y Gunnar B. Kvaran.La muestra está compuesta por más de 80 trabajos, entre objetos, videos, films, instalaciones, sonidos y grabaciones producidos desde principios de los 60 hasta hoy. El eje de la muestra son los Instructions Pieces, que básicamente son Instructivos de pintura , para pintar.Y cómo es inquita hay instructivos para el cine, la danza y para la fotografía.En el marco de esa muestra Yoko Ono ha hecho la convocatoria " Arising/Resurgiendo " para las víctimas de violencia de género.

"Mediante esta convocatoria, la artista japonesa invita a las mujeres de América latina, de cualquier edad, a enviar una fotografía de sus ojos y un testimonio personal, en forma anónima, para ser parte de la instalación multimedia "Arising / Resurgiendo", que integrará la exhibición.

Hasta el 16 de octubre, las interesadas ya pueden ingresar en la web www.malba.org.ar/arising, completar los datos solicitados, y adjuntar el texto y la fotografía que serán parte de "Dream Come True" en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires." dice el parte de prensa del diario Ámbito Financiero.

Para entender lo de los instructions pieces :

"The instruction pieces have been printed in the different versions of her book of instructions, Grapefruit, and in book published by Weatherhill in 1995, Yoko Ono: Instruction Paintings.

In 1999, Yoko Ono created a new set of instruction paintings: Imagine, Yes, Touch, Fly, Breathe, Reach, Forget, Feel, Dream, Open, Remember. These new instruction paintings are linen canvases painted with single words such as Imagine and Feel." según dice la página oficial de Yoko Ono.


Yoko siempre fue más que la mujer de Lennon, fue mucho más que la mujer "fea" que los demás detestaban como compañía de un Beatle, le cargaban todo el peso de la ruptura del grupo, etc, etc. Maldades, tal vez una envidia sumaria si uno piensa que Ono-Lennon eran una dupla brillante artísticamente. Vanguardistas, rebeldes al sistema, politizados,sensibles, muy creativos ambos.

Su vida y obra:

Yoko Ono nació en Japón en 1933. Ono provenía de una familia tradicional japonesa, su papá era pariente de los emperadores japoneses, desde muy temprana edad Yoko recibió educación musical, pianística y vocal. Su padre era el que apoyaba su creatividad e inclinación por el arte mientras que su madre era una pintora , pero era distane con la niña.Por su capacidad fue admitida en la carrera de Filosofía de la universidad japonesa Gakushuin, una de las universidades más selectas de Japón y más tarde se licenció en poesía y composición contemporáneas en la universidad Sara Lawrence College.

En 1961 comenzó una carrera artística vinculado al arte conceptual y participativo, la música de vanguardia, los films experimentales y las performances que generaron interés por parte de personalidades como Peggy Guggenheim, Marcel Duchamp, entre otros.En 1964, publicó Pomelo [Grapefruit], su libro de instrucciones.

Después de la muerte de Lennon,Ono estuvo de duelo por varios años, y realizó varias producciones de música y video en relación a su estado de tristeza por la pérdida de su esposo. A partir de 1989 y en los años 90', volvió a participar en exposiciones intervenciones en espacio públicos y participaciones musicales.Su interés por internet, la convirtió en una de las primeras artistas que se interesó por usar ese recurso para exposiciones virtuales.

Feminista, creativa, sensible, pacificista. El arte de Yoko Ono es un arte para difundir mensajes de paz, de igualdad entre los sexos y de optimismo.

lunes, 9 de mayo de 2016

Liliana Maresca, la perturbadora







Hacía mucho que no hablaba de pintores o escultores , qué buena oportunidad para hablar de Liliana Maresca.

Tan intensa, tan vital, tan desestructurada, Maresca pertenece a esas mujeres que no son para este mundo, recortado, ridículamente reprimido, mujeres que son de un refinamiento salvaje , sí así como digo, que busca no tanto la trascendencia sino revolver, hacer revulsivas las respuestas, enloquecer de preguntas al espectador de sus obras.


Una especie de abre cerebros, vanguardista, subida de tono, sin prejuicio alguno, Liliana Maresca.

Bella, chamánica ¿ Quién no se enamoraría de esta super mujer ?. Su arte le venía de los ovarios, surrealista, arte subversivo, arte que le escapa a los cánones del arte clásico.

Transgresora, rebelde , pasó por la maldita dictadura (Nació en 1951), pero su arte se consolida entre los años 80' y 90'.

Sus desnudos le servían para llamar la atención sobre un punto en particular: si la utilización del cuerpo fue y es bastardeado desde los mass media porqué una artista no debería conceptualizar esa crítica exponiendo su propio cuerpo, su " res" para escandalizar y para provocar un llamado de atención, una reflexión sobre ese objeto de deseo transformado en producto de mercado.

Crítica al poder, a la represión, el arte de Liliana Maresca cuestiona el poder, el político,económico, cultural,todo tipo de dominación y de colonización.Se anticipa a advertir las consecuencias terribles del menemismo en lo social.

Cartoneros, venta de cuerpo ( el suyo con teléfono particular y todo), deshechos, petos, tubos,raíces...Si es de la calle, y está vencido, si está roto y desvencijado mejor.Como una cartonera Maresca busca el objeto, a veces se lo regalan y ella los transforma, transmuta.

Obras:pinturas, objetos, escenografías, esculturas, instalaciones, happenings,performances y fotoperformaces, como también la organización de eventos multidisciplinarios como La Kermesse,La conquista, "Maresca se entrega todo destino ", etc.

Una de sus instalaciones fue "Imagen Pública-Altas esferas" ,en 1993, donde se pasa revista a personajes políticos y del espectáculo que gravitaron en la Argentina de aquellos años.

Tiene grandes colaboradores y amigos en el arte: mucha de las fotografías eran de Marcos López, era amiga de Alejandro Kuropatwa, de Marcia Schwartz,Alberto Laiseca,Enrique Symms, etc.Años de reviente, de drogas, de intercambio sexual y de agujas hipodérmicas, de gran creatividad y desborde. Locura, sida, locura, hiperactividad, necesidad de expresarse.

Hay que decir que la etapa post dictadura fue una época de "destape" feliz, de libertad de expresión, de renovación estética, de mucha vanguardia y en que Liliana Maresca se sintió como pez en el agua, su reconocimiento fue tardío, igual no es una artista de masas, sino para espíritus no convencionales.

Como ella se decía " la ávida " , creo que ahora , en este mismo instante Maresca se traga al Universo, le hace el amor y lo convierte como alquimista genial en objeto de confrontación y debate.

Liliana Maresca muere , en 1994.


Exposiciones/muestras de la artista fuera del país (después de 1994):

Entre otras:

Galería Espaivisor, Valencia, España (2016)

"Un'identitá multiforme " Galeria Spazio Nuovo, Roma,Italia (2012)

sábado, 29 de marzo de 2014

Joseph Beuys, en la búsqueda de una humanidad más sensible


Hay que celebrar la movida artística en estos días, en Fundación PROA, la retrospectiva del genial artista alemán, Joseph Beuys. Profundamente vanguardista exasperante búsqueda de llamar la atención sobre nuestras vidas y de como estábamos llevando esa vida. Tenía un concepto democrático del arte para él " todo ser humano es un artista y cada acción, una obra de arte"( información tomada de Deutsche Welle). ¿ Acaso el arte tiene que ver con la vida misma de la persona ? y no con un sentido elitista del arte concebido para unos elegidos o para unos pocos. Escultor estudió en la Kunstakademie de Düsseldorf. Raro, su rostro mismo es complejo. Cavernoso, cavado, profundo. Esos ojos bellísimos y que miran un mundo que pretende descodificar. Y que le duele. Y esa sonrisa magnífica y definitiva.Su vestimenta es simbólica: un chaleco para conservar el calor y el amor.Un sombrero para no dejar escapar las ideas.Este hombre "gris" muy misterioso lanzaba al mundo del arte llamaradas como el uso de materiales que no solían usar entonces: grasa, fieltro. La grasa y el fieltro tenían una historia, formaban parte de su vida: era piloto y su avión cae en territorio tártaro y estos curan sus heridas con grasa y lo envuelven en fieltro. Cuando visualizo esta escena en mi cabeza pienso en un renacimiento, en un despertar de la conciencia del artista. Una de sus acciones más conocidas es encerrado en un fieltro y conviviendo con un coyote durante un par de días. Esta representación de arte llamada "Coyote, I like America and America likes me " era para ir en contra de Estados Unidos y su política belicista y para ilustrar la convivencia que debiera darse entre la Naturaleza y las personas. EL arte como ciencia de la libertad, el arte liberador de la creatividad de cada persona. El rescate de los orígenes, de lo primordial, de los nativos y de la libertad del ser americano antes de la llegada de los colonizadores. La catarsis logra la convivencia de los aparentemente opuestos (civilización-salvajes) y saca el trauma, la culpabilidad. El arte cura. Magia, chamanismo, alquimia, ciencia, rituales, liberación del ser primitivo, variadas técnicas (happening, perfomance, etc). Uso de la miel, del chocolate otros de los materiales que utilizó todo esto le servía para expresar su disconformidad con su tiempo. Y para expresar la idea de calor que tenía que ver con la vida y el amor. Influencias: el idealismo alemán, Novalis, Nietzche, HÖlderlin,etc. Y otros pensadores como Rudolf Steiner, Marcel Duchamp,etc. La obra de Beuys está atravesada fuertemente por lo antropológico y lo espiritual. Sorprendía con sus instalaciones extrañas y con sus conceptos, teorías acerca del arte, de la política, la energía, la electricidad. En 1979 se presenta como candidato del Partido Verde para el Parlamento Europeo. Esta página se embellece con la presencia de este artista único. No lo conocía pero ni de nombre. Me entero por el diario "La Nación" de esta muestra y me hizo investigar acercar de este " chamán de la cultura ". Quedé deslumbrada por este artista de primera. ¡Impresionante !. Unas 110 obras del artista ( su producción artística desde 1955 a 1985)en Fundación Proa, hasta junio del 2014.Los curadores de la exhibición son Silke Thomas y Rafael Raddi.

viernes, 2 de agosto de 2013

León Ferrari


Provocador la audacidad le iba como anillo al dedo. Ante todo artista ante todo coherente con su pensamiento. Falleció hace unos días León Ferrari polémico y nuestro. Lo conocí de grande él y yo. Pero valió la pena por su frescura por su grandeza y por lo innovador. A los artistas no hay que llorarlos hay que recordarlos. Amarlos y darlos a conocer. Me emocionó la defensa del arte de León Ferrari que hizo mi amiga Cecilia Simeoni (catadora y ojo experto en arte si los hay) quien dijo que todos se fijaban en las controversias de Cristos crucificados y demás con la Iglesia pero que nadie se fijaba en sus caligrafías y en sus otras obras artísticas. De padres artistas , ingeniero de título como artista tiene una primera etapa en Italia. Vuelve a Argentina colabora con otro innovador pero en materia de cine, Fernando Birri en el mediometraje "La primera fundación de Buenos Aires" basado en un texto de Ulrico Schmidl. Les pido entren a la web de León Ferrari y van a ver un curriculum impresionante del artista. Allí pueden saciar búsqueda de notas artículos obras colaboraciones, etc. Pocos tienen esa trayectoria debo decir. Inconmensurable León. También defensor de los derechos humanos (tan venidos a menos tan bastardeados en estos últimos tiempos)su hijo Ariel desaparece en la dictadura. Entonces Ferrari se exilia en Brasil Cómo no acompañar tanto talento. Tanta alegría de vivir pese a todo. Adios y hola León.

domingo, 19 de mayo de 2013

Ennio Iommi


Ennio Iommi en realidad Enio Girola fue un escultor ligado a la abstracción en su especialidad pero en sus comienzos fue uno de los fundadores de Asociación Arte Concreto-Invención. En esos momentos estuvo en contacto con otros grandes como Alfredo Hlito y el poeta Edgar Bayley.En 1958 participa en la Exposición Internacional de Bruselas en los años siguientes en la de San Pablo, Venecia o en Zurich constituyéndose en uno de los representantes en escultura que la Argentina enviaba a otros países. Los materiales que solía usar acero inoxidable, bronce, acrílico, piedra,etc. En algún momento en sus obras utiliza desperdicios para significar lo contemporáneo: el amontonamiento, el descarte, lo residual que nuestra sociedad produce día a día. Una mirada social, crítica lo va llevando por otros caminos en el arte. Su declaración de principios:"...A mi el mercado, que sirve para decorar las casas de los pequeño burgueses, no me interesa. A mi lo que me interesa es el taller. El artista, fatalmente, algún día se muere. Si va a dejar algo, es culturalmente..." Ennio Iommi nos dejó este mes de mayo.El peso de un artista que cuestionaba el mercado, el consumismo, el que sirvamos como sujetos al status y la industrialización.

viernes, 22 de marzo de 2013

Jan Grarup


Jan Grarup es de Dinamarca. Es un fotógrafo contemporáneo que fotografía el hambre, los desesperados, aquellos que no tienen nada que perder. Multipremiado sus imágenes son un testimonio de un mundo que no aprende a vivir en paz sino todo lo contrario. Por sus fotos de la guerra en Kosovo le dieron el premio World Press Photo.Grarup es fundamentalmente un fotógrafo de guerra o de zonaa conflictivas: Haití, Ruanda, Darfur, Palestina,Sierra Leona,etc. Sensibilidad dolor desesperación, etc. Algunas claves para entender las fotografías de Jan Grarup. La foto que ilustra el post pertenece a la serie de Hunger in the horn of Africa.

miércoles, 16 de enero de 2013

Albert Anker

 Albert Anker es un gran pintor suizo.Díscipulo de otro pintor suizo Charles Greyre. De Berna se fue a París abandonando su carrera de teólogo para ir a estudiar con Greyre.Aprendió su oficio en la Ecole de beaux-arts de París. Pintor de escenas rurales, hogareñas,etc.Muy conocido por ser un pintor de niños.Estas pinturas sobre todo lo hicieron muy conocido en el mundo del arte.Su obra es popular no exenta de una gran elegancia y de un excelente manejo de la luz.Realista su pintura demuestra sensibilidad y un buen conocimiento de la sociedad de su época. En el año 2010 se realizó una retrospectiva de su obra debido al centenario de la muerte del pintor. Cuando era niña me gustaba leer, ver libros de cuentos, enciclopedias, libros de historia.Estas pinturas me transportaron de nuevo a esa lindísima época de mi vida.  Gracias Albert Anker.

viernes, 26 de octubre de 2012

Caravaggio


En el Museo Nacional de Bellas Artes podemos encontrar la obra de uno de los grandes maestros italiano, Caravaggio a él me refiero. De vida disipada el maestro sin embargo deslumbró en su arte.Es el arte que baja a la calle, el artista que toma de modelos a gente de la calle. Naturalismo realismo con todas las letras.La muestra (siete de sus obras maestras, junto a quince trabajos de sus seguidores o sea Giovanni Baglione, Orazio Gentileschi, Orazio Borgianni, Leonello Spada, Simon Vouet, Tommaso Salini, Bartolomeo Cavarozzi, Giovanni Battista Caraccioli (llamado Battistello), etc. Hasta el 15 de diciembre podremos disfrutar de Caravaggio y sus amigos. Caravaggio fue el primero en pintar bodegones.Y fue el creador del Tenebrismo barroco.Fue muy importante su utilización del claroscuro para imprimir dramatismo en sus obras.El tenebrismo fue una de las escuelas del barroco, nacida en Italia a finales del siglo XII. Es el contraste fuerte de la luz con la sombra, sin mediar difuminado entre ambas, con gran profusión de colores negros. Su verdadero nombre era Michelangelo Merisi da Caravaggio.Su vida agitada signó una carrera de prestigio por el talento. La homosexualidad latente lo pandillero de su ser le pudieron de ahí que muchas veces perdió mecenazgos y protectorados por su ser inestable y polémico.Murió de malaria cuando volvía a Roma, cerca de Porto Ercole. Delincuencial siempre al borde de la pelea y el delito en su obra encontramos al gran artista que fue.

martes, 16 de octubre de 2012

Alberto Giacometti


EL artista Alberto Giacometti en Buenos Aires.Escultor y pintor suizo. El artista de las figuras delgadísimas. Acaso la fragilidad tiene la figura de lo que desaparece o lo que es casi inexistente. Cubista en un principio, luego adhiere al surrealismo(escribe y dibuja en la revista "Le surréalisme au Service de la Révolution")pero se queda con el figurativismo. Ismos que cuajan con un artista en búsqueda de respuestas luego de la guerra.Hay una clara influencia africana en esas figuras altas, desnudas y magras.También comulga con el arte de Bourdelle(estudió en la Académie de la Grande Chaumiére con Bourdelle en Montparnasse) y Cezanne.Es conocido por sus estudios de cabeza y su fijación en esa zona del cuerpo especialmente ojos y nariz. Arte tribal que impresiona por su rugosidad, sus líneas y su solitaria altivez. Fundación Proa procura esta exhibición de más de 130 piezas del escultor. La muestra va desde el 13 de octubre de 2012 al 9 de enero de 2013.La curadora de la muestra es Véronique Wiesinger, directora de la Fundación Giacometti de París. En 1962 gana el Gran Premio de Escultura en la Bienal de Venecia y en 1965, el Gran Premio Nacional de las Artes, otorgado por el Ministerio de Cultura francés.

sábado, 28 de julio de 2012

Exposición "Meraviglie dalle Marche"


Hay una preciosa muestra de lo pictórico de la región de le Marche (Italia) en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Los responsables de esta "meraviglie" es la gente de Hope Funds con Enrique Blaksley a la cabeza. Excelente muestra por cierto.El Presidente de la Fundación Juan Pablo II y Secretario de las Comunas Marchigianas, Marcello Bedeschi hizo entrega de una distinción por el aporte a la cultura a Blaksley y a Hope Funds.Se lo merecen por tamaña exposición.

La Marche es una región de Italia, del centro de Italia.Su capital es Ancona.

Iconografías religiosas del Gótico tardío – de fines del siglo XIV - siglo XV de los pintores Olivuccio da Ciccarello, y Paolo Veneziano hasta el Neoclasicismo monumental de Adolfo de Carolis de fines del siglo XIX y principios del siglo XX.
También obras del Renacimiento temprano (Quattrocento) y del Barroco tardío del Settecento por ej: Carlo Crivelli, Rafael, Tiziano , Lorenzo Lotto además de obras de otros pintores igualmente destacables como el Guercino, Sebastiano del Piombo,Luca Giordano, Maratta entre otros.La curaduría es del Profesor Arq. Angel Navarro.

Fecha de cierre de la muestra: 3 de agosto 2012.

viernes, 13 de julio de 2012

Edward Hopper


Edward Hopper,pintor norteamericano se formó en la New York School of Art. Se inclinaba por las pinturas de Edgar Degas, Félix Valloton, y Édouard Manet y a su estilo se lo ubica en el Realismo .Influyó en la vuelta al arte figurativo posterior y en el Pop Art.Un pintor ligado al cine a través de la influencia que el artista tuvo sobre los directores de cine ej: Hitchcok.

Desde sus inicios desarrolló un estilo artístico propio, ligado a su carácter apesadumbrado sellado en los cuadros mediante la soledad de los personajes representados. Sus obras en la que la luz es todo muestran a la América de la Gran Depresión.

Los temas del pintor: una profunda soledad, la incomunicación, la angustia, el insomnio, el desvelo, la falta de afectos, la frialdad.

Los seres de Hopper exhiben un sentimiento de orfandad que apesta.La modernidad los ha dejado solos, desnudos y absortos en una espera que los tortura. Seres nocturnos, nighthawks, solitarios en las cafeterías, ventanas abiertas a una intimidad que no es grata porque a esas personas les falta algo y esa carencia los vacía de existencia.

El Museo Thyssen-Bornemisza en España presenta una exposición de Hopper.

La exposición del gran maestro del siglo XX es fruto de un proyecto de colaboración del Museo Thyssen-Bornemisza y la Réunion des Musées Nationaux de France.La muestra finaliza en septiembre 2012.